Archives par mot-clé : Histoire de l’art

Hercule à la cour des ducs de Bourgogne : fortune et représentations du chevalier à la massue

Entretien avec François Bouquet, élève archiviste paléographe en quatrième année, qui soutiendra le 9 juin 2020 sa thèse intitulée « L’Avènement du chevalier à la massue. Écriture, incarnations et appropriation de l’Hercule bourguignon de Philippe le Hardi à Philippe le Beau (1363-1506) », rédigée sous la direction de Philippe Plagnieux, professeur d’histoire de l’art du Moyen Âge à l’École nationale des chartes, et de Chrystèle Blondeau, maître de conférences en histoire de l’art médiéval à l’Université Paris-Nanterre. Propos recueillis par Léo Davy.


Comment et pourquoi as-tu choisi ce sujet de thèse ?

La place dans un Moyen Âge christianisé des œuvres antiques, littéraires comme artistiques, m’intriguait. Si l’art médiéval s’est imposé comme une évidence lors du choix de mon sujet de recherche, il me fallait toutefois déterminer quelle part de l’héritage antique je souhaitais étudier et l’aire géographique sur laquelle me pencher. J’avais été marqué par la lecture de l’Énéide en classe préparatoire et la permanence des écrits classiques au Moyen Âge ainsi que leur adaptation par les artistes m’intéressaient particulièrement. Philippe Plagnieux m’a proposé de mener une étude iconographique en m’attachant à un héros antique, ce qui me permettait de déterminer la fortune de ce personnage au Moyen Âge : en partant des manuscrits médiévaux et tout d’abord des textes, œuvres classiques ou médiévales, je pouvais y examiner les représentations figurées qui en forment une première adaptation, puis élargir à d’autres supports iconographiques. J’ai tout d’abord discuté avec Charlotte Denoël, conservatrice en chef au Département des manuscrits de la BnF, dont la thèse porte sur le culte et l’iconographie de saint André. Par son intermédiaire, j’ai rencontré Chrystèle Blondeau qui a travaillé sur le personnage d’Alexandre le Grand à la cour de Bourgogne et m’a indiqué qu’Hercule semblait également y occuper une place particulière. C’est autant la richesse et la subtilité du mythe d’Hercule que mon intérêt pour les commandes artistiques de ces ducs flamboyants qui m’ont attiré vers ce sujet de recherche.

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Les vitraux légendaires du chœur de la cathédrale de Rouen

Entretien avec Axelle Goupy (promotion 2019), auteure d’une thèse soutenue en juin dernier, intitulée Un miroir de la mission canoniale et épiscopale au XIIIe siècle. Les vitraux légendaires du chœur de la cathédrale de Rouen, préparée sous la direction de Philippe Plagnieux, professeur d’histoire de l’art du Moyen Âge à l’École des chartes, et de Karine Boulanger, ingénieure d’études au CNRS et membre du Centre André Chastel. Propos recueillis par Léo Davy. Relecture et photographies de Julie Glodt.


Comment et pourquoi as-tu choisi ce sujet ?

J’avais été impressionnée par une conférence de Jean-Paul Deremble sur la verrière de saint Lubin à la cathédrale de Chartres, quand j’étais en classe préparatoire. Il expliquait que le vitrail n’est pas une simple transcription des textes bibliques ou légendaires, mais le reflet de la volonté d’un commanditaire, l’évêque ou le chapitre canonial dans le cas présent. C’est une fenêtre ouverte sur une partie de la pensée de cette époque. Travailler sur le vitrail me permettait aussi de me familiariser avec la conservation des monuments historiques, qui est la voie que j’envisage de poursuivre. Par l’intermédiaire de Philippe Plagnieux, Claudine Lautier m’a conseillé de me rendre dans un atelier de restauration pour apprendre à analyser des verrières et en faire la critique d’authenticité. Les vitraux de la cathédrale de Rouen se sont ensuite imposés en raison de leur beauté, d’abord, mais aussi parce qu’ils avaient été très peu étudiés, contrairement aux vitraux contemporains et infiniment plus célèbre de Chartres ou de Bourges.

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La rétrospective Greco

Cette rétrospective, que l’on peut découvrir au Grand Palais depuis le 16 octobre et qui court jusqu’au 10 février prochain, est la première grande exposition jamais consacrée en France à ce personnage, à la fois peintre, sculpteur et architecte. Né en 1541 en Crète, Domenico Theotokopoulos, dit El Greco, fait son premier apprentissage dans la tradition byzantine avant de parfaire sa formation à Venise puis à Rome. Mais c’est en Espagne que son art s’épanouit et s’implante durablement à partir de la décennie 1570. Attiré par les promesses du chantier de l’Escorial, l’artiste importe dans la péninsule la couleur du Titien, les audaces du Tintoret et la force plastique de Michel-Ange. Cette éloquente synthèse, originale mais cohérente par rapport à sa trajectoire, donne à Greco, mort quatre ans après Caravage (1614), une place particulière dans l’histoire de la peinture : celle d’un des derniers grands maîtres du maniérisme et du premier grand peintre du Siècle d’Or. L’exposition se concentre essentiellement sur sa production picturale, la plus riche, et nous offre un bel aperçu de cette expérience de l’altérité que l’artiste a pu éprouver tout au long de ses voyages et dont il a su assimiler, avec un talent certain, toutes les subtilités. Lors d’un parcours chronologique de son œuvre, le visiteur pourra toucher du doigt la lente maturation d’un artiste dont le génie vient à s’exprimer dans les dernières années de sa vie et qui, à bien des égards, inspirera la modernité des avant-gardes européennes au tournant des XIXeet XXesiècles.

Exposition organisée par la Rmn – Grand Palais, le musée du Louvre et l’Art Institute de Chicago.

Compte-rendu d’exposition écrit par Lisa Lafontaine (AP3) et Max Hello (AP2).


Un regard sur les fonds :

Cette exposition, organisée sous l’égide du commissariat de Guillaume Kientz1, associé à Charlotte Chastel-Rousseau2 et avec la contribution de Rebecca Long3, réunit quelques soixante-seize œuvres issues de prêts aussi bien de collectionneurs que d’institutions publiques.

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  1. Curator of European Art, Kimbell Art Museum, Fort Worth, Etats-Unis. []
  2. Conservatrice de la peinture espagnole et portugaise, Département des Peintures, musée du Louvre. []
  3. Patrick G. and Shirley W. Ryan Associate Curator of European Painting and Sculpture before 1750, The Art Institute of Chicago. []

« Le design turinois de 1964 à 1974 : une histoire politique »

Entretien avec Pia Rigaldiès, élève archiviste paléographe de quatrième année, qui vient de soutenir son mémoire portant sur le design italien des années 1964-1974, sous la direction de Philippe Plagnieux (École nationale des chartes), Agnès Callu (Institut Interdisciplinaire d’Anthropologie du Contemporain, EHESS / CNRS) et Pascal Rousseau (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne). Propos recueillis par Max Hello.


Comment définirais-tu le design italien des années 1964-1974 ?

Je dirais que c’est un design contestataire, une culture où la politique et le design sont très liés. On pourrait ajouter que c’est un art pop dans le sens où il est très influencé par le mouvement du Pop art, sans être fondamentalement populaire étant donné que l’on parle ici de pièces de collections et non pas d’un mobilier bon marché. Je trouve que cette ambivalence correspond bien au sujet que j’ai traité.

Comment et pourquoi avoir choisi ce sujet ?

J’ai choisi ce sujet car j’aime le design et les questions qui en découlent. J’aime me demander pourquoi les différents objets sont conçus comme cela, dans quel but et par quel cheminement intellectuel le créateur est passé pour arriver à ses fins. J’ai également eu le sentiment que ce sujet pouvait s’inscrire dans une véritable démarche de recherche historique en partant notamment du contexte de la ville de Turin, marquée par une très forte industrialisation. Le design et ses enjeux sont littéralement ancrés dans l’ADN de cette ville.

J’avoue avoir aussi été séduite par le lien très fort existant à cette période entre le design et la politique, deux questions qui ne peuvent être dissociées l’une de l’autre ici. Enfin, je cherchais un sujet fortement pluridisciplinaire. Or, le design allie par essence l’histoire de l’art, l’histoire industrielle, sociale et culturelle.

La recherche est aussi une bonne occasion de voyager : j’ai passé six mois à Turin dans le cadre de ma thèse, ce qui a constitué une prise de risque stimulante et le moyen de me créer un réseau de recherche sur place. J’ai été invitée à deux reprises à m’exprimer lors de colloques à Turin1, ce qui est une expérience toujours très enrichissante.

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  1. « Il 68’ alla facoltà di architettura negli archivi della prefettura », conférence inaugurale de la revue Histories of Postwar Architecture, 17 décembre 2018 et «STRUM = “strumento” per la lettura del progetto politico nell’Italia della contestazione» séminaire de l’association italienne des historiens du design (AIS/D), juin 2019 (publication des actes à venir). []

Le « Palais des fées » : le Palais-Royal, centre des amusements de la capitale de 1780 à 1815

Entretien avec Florence Köll, archiviste paléographe qui a soutenu en juin 2019 sa thèse intitulée « « Le résumé de Paris » ? Le Palais-Royal de 1780 à 1815 : commerces, logements, divertissements », sous la direction de Dominique Massounie (Paris X Nanterre) et de Guillaume Fonkenell (École nationale des chartes). Entretien recueilli par Hugo Forster.1


Comment en es-tu arrivée à travailler sur ce sujet ?

J’avais envie de travailler sur l’histoire des divertissements ainsi que sur celle de l’architecture, et mes sensibilités personnelles me poussaient vers le XVIIIe siècle. J’ai interrogé M. Fonkenell, mon directeur de thèse, à propos de ces pistes, et il m’a indiqué une très riche bibliographie en la matière. Parmi ces travaux, aucun ouvrage ne traitait le Palais-Royal en tant que centre de divertissements à part entière. Il existait bien un ouvrage en deux volumes de Victor Champier et Roger Sandoz publié en 19002, mais on y décèle d’importants biais, la lecture des sources – qui d’ailleurs y sont très rarement référencées avec clarté – étant orientée a priori par l’image stéréotypée du Palais-Royal comme lieu de débauche. Des caricatures y sont interprétées comme des sources objectives, et des erreurs de lectures accusent encore plus le trait : il y est affirmé qu’après le célèbre incendie de l’Opéra jouxtant le palais princier, le duc d’Orléans aurait demandé à ses jardiniers que les feuilles des arbres du jardin soient nettoyées une à une, alors que l’ordre n’appelait bien sûr qu’à ramasser les feuilles noircies tombées à la suite de l’incendie…

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Robert, Hubert (1733-1808), L’incendie de l’Opéra, vu des jardins du Palais-Royal, le 8 juin 1781, ca. 1781, huile sur toile, 84,5x114cm, Musée Carnavalet, Histoire de Paris, P1081

Le Musée Carnavalet avait quant à lui organisé une exposition sur le sujet en 19883, mais celle-ci abordait la parcelle avec un point de vue fort généraliste qui laissait champ libre à une nouvelle étude sur le Palais-Royal comme centre d’attractions. Tout un fonds d’archives n’avait pas été exploité (la sous-série DQ10 aux archives de Paris) : j’ai pu prendre ces nouvelles informations en compte pour étayer ou au contraire infirmer des hypothèses tenues jusqu’ici. La connaissance des années 1790 à 1810 manquait en grande partie à l’étude du Palais-Royal.

Sur quelles sources as-tu construit ta recherche ?

Un grand arc de mon travail a consisté à établir un état exhaustif de l’iconographie du Palais-Royal entre 1780 et 1815. J’ai pour cela utilisé des ressources en ligne basiques type Gallica, mais ai surtout exploré les recueils topographiques d’estampes de la BnF. Les papiers des princes aux Archives Nationales (R4 281 à R4 299) m’ont fourni de très nombreux documents de gestion : entre autres, des baux permettant de connaître les loyers pratiqués, ou bien des états des lieux d’un grand intérêt pour comprendre l’évolution des immeubles et des appartements qu’ils abritent. La sous-série Z1J, qui contient les mémoires, expertises, toisés et devis des greffiers des bâtiments du Roi, a quant à elle été précieuse pour les descriptions de l’avancement des travaux ou l’évolution de l’état de délabrement de certaines parties des bâtiments. Aux archives de Paris, les archives des Biens nationaux, plus particulièrement la sous-série DQ10, fut extrêmement riche en informations pour ce qui est du fonctionnement quotidien de l’enclos après la mort du prince à son origine.

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  1. Illustration d’en-tête : Anonyme, [Façade du Palais-Royal sur le jardin avec les galeries de bois], [1800], dessin à la plume et lavis à l’encre de Chine, aquarelle; 20 x 27,6 cm, Bibl. nat. de France Est. RESERVE FOL-VE-53 (G) ; Citation du titre : F.-M. Mayeur de Saint-Paul, Tableau du nouveau Palais-Royal, en deux parties, Londres, Paris, Maradan, 1788, p. 21. []
  2. V. Champier, G.-R. Sandoz, Le Palais-Royal d’après des documents inédits (1629-1900), deux volumes, Paris, Société de propagation des livres d’art, 1900. []
  3. Le Palais Royal, Paris, Edition Paris-Musées, 1988 (Catalogue d’exposition : Paris, musée Carnavalet, 9 mai-4 septembre 1988). []