Baudelaire : la modernité mélancolique

Dans le cadre du bicentenaire de la naissance de Charles Baudelaire (1822 – 1867), la Bibliothèque nationale de France a consacré ses espaces, du 3 novembre 2021 au 13 février 2022, à cette figure centrale du tournant littéraire du XIXe siècle, poète et critique littéraire, avec l’exposition Baudelaire, la modernité mélancolique.

L’intention primordiale du commissaire principal de l’exposition, Jean-Marc Chatelain1, directeur de la réserve des Livres rares, a été celle de réaliser une exposition qui permettrait de donner une forme visuelle à un propos littéraire.2

À la visite de cette exposition, il est marquant que les aspects biographiques du poète soient délaissés pour favoriser une approche thématique autour des principaux aspects de l’œuvre de Baudelaire. Au cours de la visite, nous embrassons la totalité de sa création : Baudelaire a été un poète, mais aussi un critique littéraire et artistique et ces différentes facettes de son travail sont constamment soulignées. Cette exposition permet de s’adresser à un public notamment scolaire, de lycéens et de jeunes étudiants, qui fréquentent en grand nombre les espaces. Pour toucher au processus créateur du poète, le commissaire principal et ses associés ont décidé de mettre en exergue le thème de la mélancolie, central dans toute l’œuvre du poète, qui affirmait que « la mélancolie est l’illustre compagnon de la beauté » (Fusées, 1887). Le parcours s’articule, après une salle introductive, autour de trois propos : la mélancolie du non-lieu ; l’image fantôme ; la déchirure du moi.

« Je suis comme un cimetière abhorré de la lune,
Où comme des remords qui se traînent de longs vers
Qui s’acharnent toujours sur mes morts les plus chers. »

C. Baudelaire, Les Fleurs du Mal, « Spleen », LXXVI.

Le visiteur commence son voyage dans un espace qui reproduit la chambre de Baudelaire à l’hôtel de Lauzun, sur l’Île Saint-Louis, où il s’était installé au jeune âge de 23 ans. Dans l’idéal de reconstituer sa chambre, sont accrochées treize lithographies réalisées par Delacroix, représentant Hamlet. Baudelaire se considérait comme un prince déchu, tout comme le personnage shakespearien. Pour mettre en valeur cette assimilation, en face des gravures, nous retrouvons son portrait réalisé par Emile Deroy (1820 – 1846), que le jeune poète conservait lui-même dans sa chambre.

Accompagné par les mélodies de Wagner, que Baudelaire appréciait, le visiteur rentre dans le cœur de l’exposition, qui se démarque du prologue de l’exposition, dans sa muséographie, par une couleur différente. Cette première partie insiste sur l’exil et l’étrangeté au monde que le poète ressentait. Cet élan n’est pas une poussée vers une destination précise, mais il s’agit plutôt d’un sentiment d’arrachement au lieu de son existence. L’origine de ce sentiment se retrouve en partie dans la tutelle, imposée par la famille à Baudelaire en 1844, qui lui empêchait de dépenser son argent comme il le souhaitait, ce qui est vécu par l’artiste comme une humiliation personnelle et une dépossession, qui contribue à sa mélancolie. Sont exposées aussi la totalité de la correspondance entre Baudelaire et sa mère, conservées au département des Manuscrits. Un autre aspect fondamental dans l’œuvre littéraire de Baudelaire est le thème de l’errance. L’artiste a lui-même de nombreuses fois déménagé, d’appartements en appartements, puisqu’il ne se sentait jamais vraiment chez lui, en souffrant de « la grande Maladie de l’horreur du Domicile » (Mon cœur mis à nu, XXI, 36 [1864]). On retrouve alors nombreuses figures du vagabondage dans ses œuvres, ainsi que des hommes des « paradis artificiels », et des lesbiennes, « femmes damnées », qui sont des incarnations parfaites de ce « goût de l’infini », de cet élan au départ, qui ne peut pas être réalisé. Le commissaire de l’exposition a souligné qu’il a pris le soin de montrer au public les différentes formes que les poèmes de Baudelaire pouvaient prendre à cette époque : publiés dans la presse au “rez-de-chaussée”3 ou bien réunis dans des recueils. En outre, il faut souligner qu’on ne conserve aucun manuscrit de travail autographe de l’auteur. Cependant, il nous est présenté dans la première salle de l’exposition un ensemble documentaire provenant d’une collection privée, qui réunit des copies manuscrites de poèmes isolés. Avant de terminer la visite de la première salle, nous découvrons une des pièces d’archives les plus importantes de l’héritage baudelairien tiré des collections de la Bibliothèque nationale : les épreuves corrigées par l’auteur-même de la première édition des Fleurs du mal, imprimée chez l’éditeur Auguste Poulet-Malassis en 1857 (chartiste de formation !). Nous pouvons admirer le renouvellement constant de l’artiste, jamais satisfait de son œuvre, qui modifie sans cesse notamment la ponctuation, à la recherche d’une sonorité parfaite qui puisse s’allier à son idéal.

© BnF, Réserve des livres rares [Cote : RES P-YE-3006]. Épreuves d’imprimerie modifiées par Charles Baudelaire. Édition de 1857 des Fleurs du Mal, imprimée par Auguste Poulet-Malassis. Consultable sur Gallica.

La deuxième partie de l’exposition est consacrée à la fonction de l’image dans l’œuvre de Baudelaire. Le commissaire de l’exposition nous a expliqué, lors d’une visite guidée, que l’image est généralement conçue comme mimétique et donc comme une substitution de la réalité. Au contraire, chez Baudelaire, l’image est la trace de l’absence de la chose, elle n’a pas de pouvoir consolateur, mais plutôt souligne l’exil du monde, la disparition et le défaut de l’être. Pour illustrer la dimension spectrale de l’image, trois registres sont choisis dans la salle. Les premières pièces exposent l’exotisme présent dans les œuvres de l’auteur. Baudelaire a peu voyagé, mais quand il était très jeune, ses parents l’ont envoyé à l’île Maurice et à l’île Bourbon. Son exotisme poétique prend la forme d’une couleur ou d’un parfum, qui disparaît au fil du poème.

©BnF, département Estampes et photographie [Cote : FOL-EF-397 (1)]. Gravure de Charles Meyron, 1858.

Ensuite, un autre aspect soulignant la fugacité des choses dans la poésie de Baudelaire est la représentation de la ville. Il est, en effet, le premier à ouvrir la poésie à l’inspiration urbaine et notamment au paysage parisien, à cette époque profondément bouleversé par le baron Haussmann. C’est enfin l’image même de la mort, symbole de l’absence pour l’artiste, qui clôt cette deuxième partie. L’auteur rêvait, pour sa deuxième édition des Fleurs du mal, d’accompagner le frontispice d’une lithographie représentant la mort, inspirée par le thème graphique de la danse macabre, diffusé dans les imaginaires depuis le Moyen-Âge et en particulier par des gravures du XVIe siècle. Il refusera finalement tous les dessins proposés par Félix Bracquemond (1833 – 1914), insatisfait. L’autre œuvre phare de l’exposition, qui clôt la deuxième salle, est un exemplaire de la seconde édition des Fleurs du mal (1861). Cette deuxième édition apparaît à Baudelaire comme une promesse d’arrachement à l’ennui, de dissolution et de ‘”solution” à la fois. Dans cette édition, sont absentes les pièces condamnées par le procès de 1857, mais une nouvelle section l’augmente, celle des « Tableaux parisiens », qui souligne l’inspiration urbaine naissante. Baudelaire double également le nombre de poèmes de sa dernière partie, plus particulièrement orientée vers le thème de la mort.

L’esprit du poète est toujours partagé entre l’action et l’intention et entre rêve et réalité. Le cœur est écartelé entre deux sentiments contradictoires, notamment « l’horreur de la vie et l’extase de la vie » (Mon cœur mis à nu). Ainsi cette dernière partie est consacrée à la déchirure du moi, qui n’est pas toutefois entendue comme une chose péjorative, mais bien comme le symbole d’une fécondité esthétique, qui devient une marque d’excellence. Les principales figures contemporaines de Baudelaire qui l’ont directement influencé sont nombreuses et lui-même utilise le terme de « grande école de la mélancolie », pour rassembler ses personnages. Il s’agit de présenter les liens, la fascination ou l’estime que l’artiste avait pour Chateaubriand, Gautier, Edgar Allan Poe (dont il avait traduit les œuvres en français), Hugo (avec qu’il entretenait un rapport compliqué), Delacroix (qu’il décrit comme le « peintre de la douleur mélancolique » dans Le Salon de 1846), ou encore Balzac, “peintre” de l’héroïsme moderne. Une autre forme de la mélancolie baudelairienne est le dandysme, posture esthétique qu’il définit comme « un soleil couchant ; comme l’astre qui décline, il est superbe, sans chaleur, et plein de mélancolie » (Le peintre de la vie moderne). Le dandy est un homme des foules qui aime à se sentir « fourmiller la vie » (id.) et qui est une des formes possibles de la mélancolie dans l’histoire.

©BnF, département des Estampes et de la photographie, Réserve [Cote : Boîte ECU-NA-88]. Caricature de Charles Baudelaire, marchant à côté d’une charogne. Réalisée par Nadar, consultable sur Gallica.

Les commissaires de l’exposition ont ensuite choisi de présenter nombreuses caricatures, ce qui permet de toucher la conception du rire dans l’œuvre de l’artiste, comme explicité dans son essai De l’essence du rire (1855). Les caricatures permettent de tirer l’éternel du transitoire et représentent « toute la hideur, toutes les saletés morales, tous les vices que l’esprit humain peut concevoir » (Curiosités esthétiques). La déchirure du moi se manifeste, enfin, dans le recueil de fragments autobiographiques Mon cœur mis à nu, jamais publié du vivant de Baudelaire (1887). Poulet-Malassis en avait réuni les manuscrits de l’auteur, sans pouvoir deviner toutefois l’ordre qu’il aurait souhaité. « Je veux faire sentir sans cesse que je me sens comme étranger au monde et à ses cultes », écrit Baudelaire à sa mère, le 5 juin 1863, dans une lettre où il explique le projet de ce recueil. On ressent alors le battement constant du moi et les ressentiments qui hantent le cœur de l’auteur.

En rentrant dans la dernière salle, nous retrouvons dans la mise en scène muséographique les mêmes couleurs qui avaient introduit l’exposition. Le propos et le raisonnement des commissaires arrivent à leur fin et cet épilogue résonne avec le prologue. Nous sommes entourés de nombreux portraits photographiques de Baudelaire, réalisés par Nadar ou Carjat. L’artiste n’appréciait guère la photographie en tant qu’art, mais adorait demander à ses amis de l’immortaliser et participait activement à la mise en scène de celles-ci. Dans cette optique, à côté des portraits présentés par ordre chronologique, sont montrés les quatre autoportraits conservés de l’artiste (trois aujourd’hui appartenant au musée d’Orsay, et un à la bibliothèque de l’Institut de France) – on retrouve ce dernier sur l’affiche de l’exposition. Ces autoportraits montrent en série comment l’artiste tentait de représenter clairement aux autres la mélancolie qui l’animait et l’instabilité de son être, qu’il ne réussissait jamais à figer. En sortant de l’exposition, ce sont des yeux comblés de chagrin qui nous observent : il s’agit de la dernière poignante photo de Baudelaire, prise en 1866, quand, paralysé par une attaque cérébrale, il ne pouvait plus rien prononcer.

portrait 1866 Charles Baudelaire
©BnF, département des Estampes et de la photographie. [Cote : RES PHOTO NZ-224-PET FOL]. Dernière photo de Charles Baudelaire, réalisée par Etienne Carjat, 1866.

C’est un objectif ambitieux que se sont proposés les commissaires de l’exposition : par le biais d’un parcours construit jusqu’aux plus infimes détails et d’une démonstration logique, le visiteur ressort profondément instruit de l’œuvre créative de l’auteur et des émotions contrastantes qui l’animaient. C’est là une méthode de muséographie différente que celle consistant en la conception d’une exposition principalement principalement orientée vers des thèmes littéraires plutôt que biographiques, et qui parvient avec succès à mettre en avant des collections patrimoniales, comme celles conservées à la Bibliothèque nationale.

 

Catalogue d’exposition : Baudelaire, la modernité mélancolique, Paris : BnF Éd., 2021, 208 pages, 29€.



Citer ce billet
Giulia Ceccarelli (2022, 14 février). Baudelaire : la modernité mélancolique. Chroniques chartistes. Consulté le 28 février 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/mpj5

  1. Commissaires associés : Sylvie Aubenas, directrice du département des Estampes et de la photographie (BnF) ; Julien Dimerman, conservateur du département Littérature et art (BnF) ; Andrea Schellino, maître de conférence (Université de Rome III []
  2. Image de bannière : Charles Baudelaire, Autoportrait, vers 1860. Plume et crayon rouge. Paris : Bibliothèque de l’Institut de France, Collection Spoelberch de Lovenjoul. © RMN – Grand Palais (Institut de France) / Gérard Blot []
  3. Article installé en plusieurs colonnes dans la partie inférieure des Unes. C’est la place traditionnellement occupée par les fameux “feuilletons”. []

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