Archives de catégorie : Chambre des images

« Fantin-Latour. À fleur de peau » au Musée du Luxembourg

Du 14 septembre au 12 février 2017, le musée du Luxembourg présentait une exposition intitulée « Fantin-Latour. À fleur de peau ». C’était encore une fois l’occasion, pour le club culture de l’Ecole des chartes, d’organiser une visite. Cependant, une fois n’est pas coutume, c’est une des élèves de première année, Marguerite-Marie Luquet, qui a fait la conférence. Actuellement, l’exposition est présentée au musée de Grenoble.

La progression adoptée est chronologique. Ce n’est pas par simplicité que ce choix a été fait, mais bien pour montrer que Fantin travaille de manière concomitante à plusieurs genres. La scénographie a cherché à transmettre cette idée en perçant les cimaises d’ouvertures, qui permettaient au visiteur de voir des œuvres exposées dans les salles voisines en même temps que les toiles devant lui.

Henri Fantin-Latour, Autoportrait, 1858

L’exposition s’applique à décrypter le tempérament de l’artiste, bien traduit par l’expression « à fleur de peau ». Il est véritablement tiraillé entre un culte voué à la nature, qui le pousse à reproduire le plus fidèlement ce qu’il a devant les yeux, et une tentation onirique, qui donnera naissance à des œuvres d’imagination les plus variées. Les autoportraits (qui ouvrent l’exposition) ont une touche dramatique et trahissent une sensibilité romantique. Il admire d’ailleurs Delacroix et lui dédie un Hommage (salle 3), le premier portrait de groupe caractéristique de son style, le premier à faire scandale.

Né à Grenoble, en 1836, c’est à Paris qu’il fait sa formation, notamment en tant que copiste. Il commence le dessin très tôt. Son père, lui-même peintre, l’astreint d’emblée à une discipline de fer. Mais à dix-neuf ans, Fantin écrit : « La peinture est mon seul plaisir, mon seul but ». Il s’agit donc d’une véritable vocation d’artiste qui s’impose à lui. Enfant prodige, il est tout de même très exigent avec lui-même, et le sera toute sa vie (même au faîte de sa gloire, il craint la corruption du succès, et s’acharne d’autant plus à la tâche). Il reste jusqu’au bout au service de son idéal d’art, et c’est ce qui fait qu’on ne peut véritablement pas le “classer“.

Un temps familier avec les jeunes artistes qui deviendront les « Impressionnistes » (voir le bel hommage à Manet, « Un Atelier aux Batignolles », salle 4), il s’en éloigne quand leur groupe et leur style se précisent : il trouve leur art trop lâche, trop mou, les couleurs fades, les effets peu aboutis, sans parler du principe de la peinture en plein air, comble de l’inconfort.

Il n’est pas non plus qu’un peintre de nature mortes (salles 2 et 5). La plupart du temps il compose des bouquets, arrangements savants et variés, ou simples gerbes de fleurs d’une seule sorte. Il les représente avec le plus grand soin, une ténacité comparable à celle de Courbet, pour qui il avait une grande estime. C’est certainement son exercice favori. Or, ce n’est pas l’occasion de représenter des objets disposés au hasard, mais bien de faire vivre la nature sur la toile, comme on fait vivre un modèle dont on doit tirer le portrait. C’est l’occasion d’étudier la nature, en somme.

Ce n’est pas non plus qu’un portraitiste. Il commence par peindre ses sœurs, par commodité – ce sont des modèles peu exigeants –, puis il peint sa fiancée, Victoria Dubourg, et sa sœur, la fascinante Charlotte. Il représente sa belle-famille, ses plus proches amis, les apprenties qui passent dans son atelier… Ces œuvres sont empruntent d’une grande sensibilité accentuée par les admirables effets de lumières. Et pourtant, il a du mal à exécuter des portraits de commande. Les attentes esthétiques du modèle, les désagréments liés à la pose sont autant de contraintes qui enfreignent sa création. C’est ainsi que les commissaires ont choisi de n’exposer que des portraits qui lui tenaient à cœur (salles 1, 5 et 6).

Fantin n’est pas de ces avant-gardes qui recherchent le scandale. Certaines de ses œuvres ont eu un retentissement négatif. Il détruit sa toile intitulée « Le Toast. Hommage à la Vérité » (salle 4) en 1865, après avoir reçu d’exécrables critiques au Salon. Le fameux « Coin de Table » (1872, id.) fait grand bruit en raison de la présence de Rimbaud et Verlaine, deux personnalités aux mœurs déjà très contestées. Mais toute sa vie, il cherche la reconnaissance, couronnée par l’acquisition de l’« Atelier au Batignolles » par l’Etat en 1892 (l’œuvre date de 1870).

Il pourrait cependant être qualifié de peintre de fééries. L’exposition s’ouvre avec une petite œuvre d’imagination (« Le Songe », 1854, peinte à 18 ans), qui ne trouve son écho que dans les dernières salles. Voilà sa véritable aspiration, qui ne reçoit pas de reconnaissance au début de sa vie, mais sera en définitive à la mode. Parfois inspirées de la musique, dont il est grand amateur, ces compositions traduisent ce qu’il a ressenti en écoutant des airs de Berlioz, Schuman ou Wagner (compositeurs controversés, auxquels il rend plusieurs hommages, salle 8 et 9). D’autres sont purement imaginaires, et montrent des figures féminines, baignées de lumière, évoluer dans un environnement céleste et vaporeux. Ces œuvres sont présentées comme l’aboutissement du travail de sa vie : il s’inspire du style des Vénitiens, qu’il a copiés au Louvre, il fait preuve d’une grande maturité et d’une grande confiance, acquises par l’observation, ainsi que le travail de mémoire.

Une section intitulée « Fantin au travail » n’ignore pas une dimension essentielle de son exercice : la photographie. Tout au long de sa vie, il collectionne les reproductions d’œuvres, ainsi que les nus féminins, et s’en fait un véritable corpus de modèles. Quelques uns des quatre mille cinq cents clichés conservés au musée de Grenoble ont été exposés (salle 7). Ce sont surtout les nus qui retiennent l’attention : photographies artistiques ou clairement érotiques, il les copie et les transpose dans ses œuvres, notamment dans ses fééries. On peut dire que c’est un artiste de son temps.

À la fin de sa vie, la production de Fantin est couronnée du succès tant attendu, et tant redouté : l’État acquiert « La Nuit » en 1897, immédiatement après sa présentation au Salon. Dans ces sujets-là, on peut le considérer comme le dernier des romantiques, voire l’un des premiers symbolistes.

Mais il ne s’agit pas pour autant de résumer son œuvre par une simple trajectoire allant du réalisme au symbolisme. En effet, chez Fantin, il n’existe pas de désaccord entre les deux tendances car son principal intérêt est d’abord et avant tout la nature.

« Rendez-vous d’étoiles à Berlin » dans les actualités filmées, mars 1942

Les actualités cinématographiques sont connues pour être une source privilégiée pour l’histoire de la Seconde Guerre mondiale, et ont été fréquemment utilisées dans des documentaires télévisés afin de rendre la propagande de guerre mieux connue du grand public1. L’émission télévisée Histoire parallèle, animée par Marc Ferro2, mettait ainsi en regard ces archives audiovisuelles des pays belligérants, en analysant leurs propagandes respectives.

Les journaux d’actualité ont en effet pour spécificité d’avoir été un des médias les plus diffusés pendant la guerre, à une époque où les spectateurs sont particulièrement nombreux à se rendre dans les salles de cinéma. Leur propos est très populaire et propagandiste. Ils sont également au cœur de la culture visuelle des Français pendant la guerre, qui y voient les avancées du conflit à l’international, mais aussi le quotidien de l’Occupation. Au sein de ces récits plus ordinaires et nationaux, la place des célébrités est importante aux yeux des autorités (de Vichy, d’occupation, et pour leurs soutiens) afin de montrer que la vie continue, en utilisant l’image de personnalités populaires. Dans ces conditions, le récit par les actualités filmées de l’unique voyage de propagande en Allemagne des vedettes de cinéma retient toute notre attention.

Continuer la lecture de « Rendez-vous d’étoiles à Berlin » dans les actualités filmées, mars 1942

  1. On peut également penser à Archives de guerre (DVD), édité par Nouveau monde éditions, 2004, avec Marc Ferro au commentaire. []
  2. Émission hebdomadaire programmée sur La Sept puis sur Arte, de mai 1989 à juin 2001. []

La vida de Savary de Mauléon dans le chansonnier provençal I (BnF ms.fr. 854, f° 152r)

Au sein de la littérature médiévale de langue d’oc, la vida est un texte en prose racontant la vie d’un troubadour. La majorité de ces œuvres fut rédigée au XIIIe siècle, après l’apogée de la littérature occitane. Nombre d’entre elles ont été copiées dans les manuscrits dits « chansonniers provençaux ». Ces compilations de lyrique occitane, dont une grande partie est conservée au département des manuscrits de la Bibliothèque nationale de France, furent pour la plupart composées en Italie du Nord au XIIIe siècle et au XIVe siècle. L’Italie fut en effet la principale terre d’élection des faidits ou « exilés », seigneurs méridionaux, parmi lesquels de nombreux troubadours, qui durent quitter leur terre après la croisade des albigeois. C’est pour cette raison qu’au bas Moyen Âge, l’Italie est devenue le centre de gravité de la littérature de langue d’oc, tant en ce qui concerne la composition que la compilation de textes antérieurs.

Parmi ces recueils, le chansonnier provençal I, probablement réalisé en Vénétie dans le dernier quart du XIIIe siècle1, de même que son « jumeau », le chansonnier provençal K, lui aussi conservé à la BnF.  Au sein des nombreuses vidas et œuvres de troubadours des XIIe et XIIIe siècles, on trouve notamment celle de Savary de Mauléon, seigneur poitevin du XIIIe siècle, sans doute composée par le troubadour Uc de Saint-Circq2.

Continuer la lecture de La vida de Savary de Mauléon dans le chansonnier provençal I (BnF ms.fr. 854, f° 152r)

  1. CAMPS (Jean-Baptiste), Les Manuscrits occitans à la Bibliothèque nationale de France, mémoire pour le diplôme de conservateur des bibliothèques, 2 t. , ENSSIB, 2010, t. 2, p. 8-9 []
  2. CAO CARMICHAËL DE BAGLIE (Martine), « Savary de Mauléon, chevalier troubadour poitevin, traîtrise et société aristocratique », in Le Moyen-Âge, revue d’histoire et de philologie, n°2, 1999, t. CV, p. 290 []

Représenter l’arbre dans les herbiers : l’exemple du gattilier

Le Moyen Âge nous a légué de nombreux herbiers enluminés, réalisés pour la plupart aux XIVe et XVe siècles. Ces manuscrits sont parsemés de centaines d’illustrations de plantes et sont une source privilégiée pour l’historien de la botanique.

Les savants médiévaux mènent une réflexion approfondie sur les catégories du monde végétal. L’agnus castus (Vitex Agnus Castus selon la nomenclature de Linné, gattilier en français moderne) en est un bon exemple. Il s’agit d’un arbuste pouvant atteindre des tailles très variables et qui pousse surtout à la faveur du climat méditerranéen. Ses fleurs, bien reconnaissables, forment des épis bleu violacé ou rose. L’identité de cette plante varie beaucoup d’un texte à l’autre : certains encyclopédistes la qualifient d’herbe, d’autres d’arbre, d’arbrisseau, de « petit arbret », ou de « plante qui est de la grandeur des arbres… ». Les autorités antiques elles-mêmes ne sont guère déterminées sur la nomenclature à associer à ce végétal, ce qui laisse une certaine liberté d’interprétation aux compilateurs médiévaux.

L’iconographie botanique relaie les hésitations terminologiques concernant cette plante. L’agnus castus est souvent représenté comme une plante herbacée (figure 1), de petite taille, ramifiée dès la base : c’est le modèle dominant. Cependant, d’autres manuscrits donnent à voir une image bien différente de cette plante (figure 2) : elle peut être représentée comme un arbre, au tronc bien apparent et planté en terre. L’iconographie scientifique n’est donc pas toujours tributaire de modèles antérieurs, mais s’attache à mettre en place des solutions qui lui sont propres pour ordonner le monde végétal.

Pierre Le Baud, La Compillation des cronicques et ystoires des Bretons (1480)

Pierre Le Baud est assis, en train d’écrire, sans doute dans une mise en abyme de sa tâche d’historiographe de Bretagne, en regard du texte. Son vêtement montre bien qu’il s’agit d’un clerc, mais il se fait plus représenter en tant que lettré qu’en tant que chanoine1, tenant à la double nature du chanoine séculier, chargé de l’office divin et engagé dans le siècle.

Il s’agit d’une des rares représentations de chanoine de collégiale de la Bretagne médiévale, si ce n’est la seule.

Continuer la lecture de Pierre Le Baud, La Compillation des cronicques et ystoires des Bretons (1480)

  1. Pour une représentation classique de chanoine, voir le célèbre tableau de Van Eyck, La Madone au chanoine Van der Paele, où le chanoine est paré des attributs de sa fonction, celui de magister de la collégiale Saint-Donatien de Bruges : il porte un bréviaire, des lunettes, une aumusse de fourrure. []