« Aux plumes d’or » : les maîtres écrivains au XVIIe siècle

Célia Cabane, archiviste paléographe (prom. 2017), présente sa thèse d’École des chartes, intitulée « Aux plumes d’or ». Les maîtres  écrivains à Paris, calligraphes au XVIIe siècle, réalisée sous la direction de MM. Marc Smith, professeur de paléographie à l’Enc et directeur d’études à l’EPHE, et Reynald Abad, professeur d’histoire moderne à l’Université Paris-Sorbonne.

Propos recueillis par Nola N’Diaye.


Comment es-tu arrivée à ce sujet de thèse ?

Je suis arrivée à l’École des chartes avec l’envie de faire une thèse d’histoire symbolique, autour d’un arbre éventuellement. Et en première année, au fil des cours, j’ai commencé à m’intéresser à tout et surtout à beaucoup trop de thématiques. J’avais dressé une liste de sujets de thèse potentiels qui en contenait plus d’une vingtaine. Les cours de paléographie en particulier ont trouvé écho avec ma fascination pour les formes de l’écriture et je suis simplement allée demander à M. Marc Smith, professeur de paléographie, s’il avait un sujet de thèse à me proposer. Il travaillait et travaille toujours sur les manuels de maîtres écrivains français, dont il prépare une bibliographie regroupant tous les exemplaires conservés. Il avait donc plusieurs sujets de recherche à me proposer sur les maîtres écrivains et j’ai choisi de me consacrer à une étude prosopographique sur le XVIIe siècle.

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Compte-rendu d’exposition sur « Sièges en société » au Mobilier national, par Clara Roca

Au Mobilier national1 est présentée, jusqu’au 24 septembre 2017, une exposition intitulée « Sièges en société, du Roi-Soleil à Marianne ». Organisée en deux parties correspondant spatialement aux deux galeries de l’ancienne Manufacture des Gobelins, elle aborde dans un premier temps la technique du siège et aspire dans un second temps à replacer le siège dans un certain contexte social. Elle présente ce faisant une partie de l’importante collection de sièges de l’institution.

Avant d’aborder le contenu de l’exposition elle-même, il faut dire un mot du Mobilier national : héritier du Garde-Meuble de la Couronne, il a encore aujourd’hui pour mission de meubler les palais officiels de la République et autres résidences du pouvoir français. Peut-être faut-il voir aux lointaines origines de cette exposition la volonté de Guillaume Janneau de créer, à partir des collections du Mobilier national, un « Musée du siège ». Si ce projet reste inachevé à la veille de la Seconde Guerre mondiale, il ouvre bel et bien en 1968, dans le bâtiment de la manufacture des Gobelins. On y trouve alors cinq cent pièces (uniquement des bois de sièges) fabriquées par des grands noms, regroupés depuis différents ministères où ils sont remplacés par des copies pour mettre définitivement les originaux en réserve, à l’abri. En 1971, le Musée du siège est fermé pour une durée illimitée pour cause de manque de personnel de surveillance. Une telle histoire ne pouvait que nourrir de hautes attentes.

De fait, les pièces présentées tout au long de l’exposition sont superbes et donnent un aperçu des très riches collections du Mobilier national en la matière, mêlant les époques et donc les vocabulaires formels. Le titre de l’exposition suggérait une approche du siège comme un objet social, inséré dans un contexte qu’il reflète et avec lequel il évolue, voire un questionnement sur la représentation de l’individu par et avec son siège en société, face à un « public ». Pourtant, au fil des salles, c’est une toute autre démarche qui est appliquée, décevant nécessairement le visiteur enthousiasmé par l’intitulé.

En effet, la première partie de l’exposition, dans la galerie du rez-de-chaussée, présente les « métiers du siège » (principalement ceux du menuisier en siège – à bien distinguer de l’ébéniste qui s’occupe du mobilier marqueté ou plaqué-, du sculpteur, du peintre-doreur-vernisseur et du tapissier). Chacun d’entre eux s’illustre dans un espace qui lui est réservé, en suivant leur ordre d’intervention dans la réalisation du siège. Celui qui montre l’art du tapissier présente judicieusement sur ses murs de très beaux cartons peints, modèles à échelle d’exécution pour les sièges en tapisserie chers au XVIIIe siècle. Parfois confiés aux talents d’artistes de renom comme Charles Coypel ou Jean-Baptiste Oudry, ces cartons qui sont, sauf erreur, très rarement montrés, permettent au visiteur de s’imaginer l’aspect qu’avaient alors les sièges.

Si les diverses doctrines ou techniques sont bien présentées, on regrette l’absence d’informations concernant la formation de ces différents artisans auprès d’un maître, leur rattachement à des corporations jusqu’à Turgot puis leur cohabitation dans des ateliers.

De plus, le discours technique délivré au fil des espaces laisse le visiteur curieux sur sa faim : il ne se traduit pas de manière plus pratique et concrète devant les objets exposés. Ainsi, les différentes techniques de dorure expliquées au visiteur (dorure à l’eau avec reparure et brunissage ou bien dorure à la mixtion ou à l’huile) ne sont pas restituées dans les cartels d’œuvres. Le spectateur ne peut donc pas constater par lui-même les différences entre ces techniques. C’est d’autant plus dommage que ces cartels sont du reste très complets, indiquent le type de siège (qui est défini dans un bref mais précieux lexique fourni dans le guide du visiteur, permettant de mieux s’approprier le vocabulaire du siège, tant de ses parties constitutives que de sa typologie), l’essence de bois travaillée et montrent notamment un énorme travail de transcription des inscriptions sur ces sièges.

Après ce panorama technique montrant l’intrication de ces divers métiers dans la création d’un même objet, intéressant bien que semblant éloigné du titre de l’exposition, la seconde partie de l’exposition n’est pas aussi claire quant au sujet qu’elle aborde. Elle semble tenter de replacer le siège dans un ensemble, un cadre, celui du contexte architectural et décoratif dans lequel il doit s’inscrire harmonieusement (c’est là le travail de l’ornemaniste, qui est présenté comme l’ancêtre du designer) mais aussi celui de la fonction à laquelle il répond (siège de salle à manger, de salon, siège confortable destiné à une pièce plus intime etc.). La scénographie choisie pour cet espace évoque les réserves d’un musée avec ses caisses, ses palettes, son mobilier en métal. L’idée est séduisante mais fait assez peu de sens par rapport au propos tenu et crée une impression de fouillis.

Les deuxième et troisième espaces abordent (enfin !) le siège comme signe d’un statut particulier et outil de représentation. L’approche est cependant resserrée sur le cas du trône, celui d’une majesté divine ou terrestre, puisqu’il a longtemps été le seul visible et a constitué un modèle formel durable pour les sièges du Garde-Meuble puis du Mobilier national. C’est justement ici qu’il faudrait ajouter que le siège est, bien au-delà du cas du trône, un objet de sociabilité avec lequel on se met en scène, on se montre à ses proches ou moins proches à l’occasion d’un repas ou d’une réception quelconque par exemple. Il évoque plus simplement un certain statut social et niveau de vie par sa richesse et le confort codifié qu’il suggère, une appartenance à un groupe, ou même une volonté du commanditaire de se démarquer. De plus, si le vocabulaire formel des commandes officielles reste bel et bien marqué par le modèle du trône tel qu’il a été mis en place au fil des siècles, de belles pièces du deuxième XXe siècle montrent que l’innovation et l’originalité dans ce domaine sont encore possibles, si le commanditaire s’en revendique de même, comme le montre le fameux fauteuil de Sylvain Dubuisson pour le bureau de Jack Lang.

 

  1. Galerie des Gobelins, 42, avenue des Gobelins, Paris XIIIe. []

Une confrérie d’excommuniés ? L’église et hôpital Saint-Julien-des-ménétriers à Paris (1331-1520)

« Habent spem joculatores ? — Nulla ». Par cette formule lapidaire, Honorius d’Autun affirme l’impossibilité pour les saltimbanques de faire leur salut et témoigne de l’ampleur du rejet de ceux-ci par toute une frange de la société du XIIe siècle1. S’ils sont généralement bien acceptés dans les milieux laïcs, ceux qui divertissent le public par leur musique, leurs danses ou leurs acrobaties et qu’on nomme généralement jongleurs ou ménestrels, sont fermement condamnés par les clercs. Ils ne peuvent ni témoigner ni accuser en justice et sont privés de l’accès aux sacrements, notamment l’eucharistie ; enfin, des canons de conciles rappellent régulièrement l’interdiction pour le public de donner de l’argent à ces « ministres de Satan », ce qui indique par ailleurs que cette disposition n’est guère respectée et que le rejet est loin d’être généralisé.

Malgré la rigueur du discours clérical et le refus de l’Église d’accepter les jongleurs et les ménestrels dans la Societas Christiana, des confréries religieuses réunissant spécifiquement ces individus voient le jour à partir du XIVe siècle. Elles complètent des corporations, fondées à la même époque, et donnent ainsi une tournure religieuse à un phénomène professionnel qui constitue les jongleurs et les ménestrels en corps social. Cela n’est pas le moindre des paradoxes qu’un groupe social d’anciens excommuniés puisse se constituer en communauté religieuse autour de l’identité professionnelle-même qui justifiait leur rejet. C’est que la condamnation et l’exclusion ne sont pas monolithiques et surtout qu’elles ont été largement pondérées au cours des XIIe et XIIIe siècles, par des théologiens comme Rufin, Pierre le Chantre ou Thomas d’Aquin2. Avec le développement d’une casuistique du péché, le discours clérical s’assouplit, et cherche à distinguer de bons et de mauvais jongleurs. Ce sont notamment ceux qui se consacrent à dire des chansons de gestes, à chanter et à jouer de la musique qui sont reconnus et peuvent avoir une chance de sauver leur âme. À cela s’ajoute une légitimation des aumônes qui leur sont faites. Ce mouvement s’insère dans le cadre plus large d’un élargissement du panel des activités licites et d’un discours plus bienveillant à l’égard des métiers3. Continuer la lecture de Une confrérie d’excommuniés ? L’église et hôpital Saint-Julien-des-ménétriers à Paris (1331-1520)

  1. Honorius Augustodunensis, Elucidarium, II, 18, dans Patrologia Latina, t. 172, c. 1148. []
  2. Carla Casagrande et Silvana Vecchio, « Clercs et jongleurs dans la société médiévale (XIIe et XIIIe siècles) », Annnales. Economies, Sociétés, Civilisations, 1979, 34ème année, no 5, p. 913‑928. []
  3. Jacques Le Goff, « Métiers licites et illicites dans l’Occident médiéval » dans Pour un autre Moyen Âge, Paris, Gallimard, 1978, p. 89‑103. []

L’Ordre du Saint-Esprit sous Louis XIV : un instrument au service du pouvoir (1643-1715)

Lenaïg Roumegou, élève en 4e année, présente sa thèse d’École des chartes, intitulée L’ordre du Saint-Esprit sous Louis XIV : un instrument au service du pouvoir, (1643-1715), réalisée sous la direction de M. Olivier Poncet, Professeur d’histoire des institutions et sources d’archives de l’époque moderne à l’Énc. Propos recueillis par Claire Daniélou. 


Qu’est-ce que l’ordre du Saint Esprit et quel est son rôle (militaire, social, politique…) ? Quels en sont les membres ?

L’ordre du Saint-Esprit est un ordre nobiliaire catholique qui a été créé par Henri III en 1578 dans le but de rassembler la noblesse autour du trône dans le contexte des guerres de Religion. Il est aussi créé parce que l’ordre de Saint-Michel, fondé par Louis XI, était galvaudé, ayant été trop largement accordé, notamment pendant la période de la Régence. Appartenir à l’ordre du Saint-Esprit flatte davantage la volonté de distinction des nobles, qui peuvent ajouter à leur titulature « chevalier des ordres du roi » (étant nécessairement membres des deux ordres — Saint-Esprit et Saint-Michel). On surnomme également les chevaliers « cordons bleus » en raison du ruban bleu soutenant la croix du Saint-Esprit qu’ils reçoivent lors de leur réception.  Sa particularité repose aussi sur le fait que le nombre de membres est limité à 100 contrairement à l’ordre de Saint-Michel qui pouvait compter quelques centaines de membres (en l’absence de suivi régulier, beaucoup en revendiquaient le titre sans l’avoir véritablement reçu).

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La vie d’un service d’archives : immersion au sein des archives départementales de la Côte-d’Or

De retour d’un stage de quatre mois aux Archives départementales de la Côte d’Or, Léo Davy, élève de 2e année, présente le service qu’il a découvert, les missions variées qui lui ont été données, et quelques documents emblématiques.

Les archives départementales de la Côte-d’Or conservent près de 30 km linéaires de documents, couvrant une période ininterrompue de 836, date du document le plus ancien, un diplôme de Louis le Pieux1, à nos jours. Elles ont pour siège l’hôtel particulier construit par le chancelier du duc de Bourgogne Philippe le Bon, Nicolas Rolin, situé au cœur du centre ville historique, qui a été racheté par la ville de Dijon à ses héritiers en 1500 pour en faire l’hôtel de ville. En 1832, le conseil départemental le rachète pour y installer les archives qui ne l’ont plus quitté. La salle de lecture est décorée d’une cheminée et de boiseries réalisées dans les années 1680, et a servi de chambre du Conseil pour les édiles et de salle de concert pour Mozart , invité en 1766 par le prince de Condé sur le chemin du retour de sa tournée européenne. Les magasins d’archives occupent les ailes construites en 1707-1714, celle de 1758 conçue par l’architecte Gabriel, et une autre aile construite dans les années 19502. Une annexe pour les archives contemporaines a été aménagée dans des entrepôts à quelques kilomètres du centre-ville. Continuer la lecture de La vie d’un service d’archives : immersion au sein des archives départementales de la Côte-d’Or

  1. 1 H 11, n°1 []
  2. Joyaux d’archives, jalons d’histoire. Les Archives départementales de la Côte-d’Or à l’aube du troisième millénaire : onze siècles d’histoire, Éditions de l’Armançon, 2001, p 10-34. []