Atelier Ademec, le 16 mai 2017 : le projet Doremus

L’ADEMEC proposait le 16 mai 2017 un atelier consacré au projet Doremus (DOing ReUseable MUSical data), qui consiste à articuler les technologies du Web sémantique et les données musicales.

Mieux relier les connaissances autour de la musique sur le Web permet d’enrichir ces dites connaissances, de développer de nouveaux outils de recherche ou pédagogiques de plus en plus intelligents et reposant sur des modèles et référentiels communs.

Pour nous parler de ce projet porté entre autres par la BnF, Radio France et la Philharmonie de Paris, nous avons eu le plaisir de recevoir Cécile Cecconi (prom. 2010) de la Philharmonie, qui a justement travaillé sur ces données.

Illustration du site http://www.doremus.org/

Pour tout savoir sur ce projet :

Pour toute question, n’hésitez pas à nous contacter à l’adresse suivante : ademec.association@gmail.com

Décrire l’art numérique, un enjeu pour sa postérité

Nola N’Diaye, diplômée du master « Technologies numériques appliquées à l’histoire » (promotion 2016), a réalisé son stage de fin d’études au département Audiovisuel de la BnF, au sein du labex Arts H2H. Elle revient ici sur les enjeux des missions qui lui ont été confiées et qui ont fait l’objet d’un mémoire intitulé Décrire pour préserver. Construction et déclinaison d’un modèle de données pour l’art numérique. Propos recueillis par Alice Laforêt.


Avant toute chose, peux-tu revenir sur la notion d’art numérique, et sur la place de l’art numérique dans les collections de la BnF ?

On commence à parler d’art numérique dès les années 1940-1950. Les expérimentations les plus anciennes dans ce domaine datent en effet de la création des premiers programmes informatiques. La définition même de cet art a rapidement constitué un sujet de débat, puisque de nombreux domaines lui ont été assimilés, comme l’art vidéo (certaines œuvres de Bill Viola par exemple). Plusieurs termes (art « numérique », art « médiatique ») se font concurrence, et l’identité de ce champ de la création artistique ne va pas de soi ! Une définition admise de l’art numérique est celle d’un art issu de la programmation, une forme de création à laquelle on aboutit par un traitement automatisé de l’information1. Cela exclut notamment l’art vidéo.

Figure 1 : Computer Composition with Lines, Michael Noll (1964)

Partant de cette définition, le projet au sein duquel s’inscrivait mon stage prenait en compte trois corpus différents d’œuvres d’art numérique :
– Tout d’abord, un corpus de CD-ROM, créé par le dépôt légal. Ce corpus avait déjà été analysé lors de la première année du projet. Son contenu était extrêmement divers, puisqu’on y trouve tant des CD-ROM récapitulant des expositions que des photos, des vidéos avec des artistes ou des programmes interactifs.
– Le deuxième corpus est un ensemble d’œuvres issues d’artistes du Living Arts ayant été produits par le Cube2. Il s’agit d’œuvres davantage interactives, qui datent des années 2000 et 2010.
– Enfin, le troisième corpus regroupe des œuvres issues du laboratoire INREV du département Art et technologies de l’image de Paris 8. Continuer la lecture de Décrire l’art numérique, un enjeu pour sa postérité

  1. Cette définition a notamment été théorisée par Edmond Couchot dans COUCHOT (Edmond), HILLAIRE (Norbert), L’art numérique : Comment la technologie vient au monde de l’art, Paris, Flammarion, 2003 (Champs Art) []
  2. Le Cube est un centre de création numérique, pionnier dans le domaine du « living art » []

Édouard Bouyé, « L’archiviste dans la cité. Un ver luisant ». Compte rendu de lecture

Édouard Bouyé, conservateur général du patrimoine et directeur des archives départementales de la Côte-d’Or, a publié en février 2017 un essai sur le métier d’archiviste.  Reposant sur de nombreux extraits d’archives et anecdotes, collectés au fil de plus de vingt années de pratique professionnelle au contact des professionnels, des producteurs, et des lecteurs des archives, Édouard Bouyé tire des considérations à l’attention de l’ensemble de ces acteurs.

Empruntant la métaphore du ver luisant qu’Honoré de Balzac a utilisé à l’endroit du personnage de l’archiviste dans son roman Ferragus (1833), Édouard Bouyé s’interroge sur la place et le rôle que tient et que doit s’efforcer de tenir l’archiviste dans la société. Tout comme ce coléoptère visible uniquement une partie de l’année et de plus en plus rare au milieu des campagnes, le travail de l’archiviste n’est remarqué et reconnu que de manière furtive dans la vie de la cité, alors que ses missions le portent à exercer une attention constante sur les trésors du patrimoine et la production contemporaine et future de celui-ci.

Continuer la lecture de Édouard Bouyé, « L’archiviste dans la cité. Un ver luisant ». Compte rendu de lecture

« Fantin-Latour. À fleur de peau » au Musée du Luxembourg

Du 14 septembre au 12 février 2017, le musée du Luxembourg présentait une exposition intitulée « Fantin-Latour. À fleur de peau ». C’était encore une fois l’occasion, pour le club culture de l’Ecole des chartes, d’organiser une visite. Cependant, une fois n’est pas coutume, c’est une des élèves de première année, Marguerite-Marie Luquet, qui a fait la conférence. Actuellement, l’exposition est présentée au musée de Grenoble.

La progression adoptée est chronologique. Ce n’est pas par simplicité que ce choix a été fait, mais bien pour montrer que Fantin travaille de manière concomitante à plusieurs genres. La scénographie a cherché à transmettre cette idée en perçant les cimaises d’ouvertures, qui permettaient au visiteur de voir des œuvres exposées dans les salles voisines en même temps que les toiles devant lui.

Henri Fantin-Latour, Autoportrait, 1858

L’exposition s’applique à décrypter le tempérament de l’artiste, bien traduit par l’expression « à fleur de peau ». Il est véritablement tiraillé entre un culte voué à la nature, qui le pousse à reproduire le plus fidèlement ce qu’il a devant les yeux, et une tentation onirique, qui donnera naissance à des œuvres d’imagination les plus variées. Les autoportraits (qui ouvrent l’exposition) ont une touche dramatique et trahissent une sensibilité romantique. Il admire d’ailleurs Delacroix et lui dédie un Hommage (salle 3), le premier portrait de groupe caractéristique de son style, le premier à faire scandale.

Né à Grenoble, en 1836, c’est à Paris qu’il fait sa formation, notamment en tant que copiste. Il commence le dessin très tôt. Son père, lui-même peintre, l’astreint d’emblée à une discipline de fer. Mais à dix-neuf ans, Fantin écrit : « La peinture est mon seul plaisir, mon seul but ». Il s’agit donc d’une véritable vocation d’artiste qui s’impose à lui. Enfant prodige, il est tout de même très exigent avec lui-même, et le sera toute sa vie (même au faîte de sa gloire, il craint la corruption du succès, et s’acharne d’autant plus à la tâche). Il reste jusqu’au bout au service de son idéal d’art, et c’est ce qui fait qu’on ne peut véritablement pas le “classer“.

Un temps familier avec les jeunes artistes qui deviendront les « Impressionnistes » (voir le bel hommage à Manet, « Un Atelier aux Batignolles », salle 4), il s’en éloigne quand leur groupe et leur style se précisent : il trouve leur art trop lâche, trop mou, les couleurs fades, les effets peu aboutis, sans parler du principe de la peinture en plein air, comble de l’inconfort.

Il n’est pas non plus qu’un peintre de nature mortes (salles 2 et 5). La plupart du temps il compose des bouquets, arrangements savants et variés, ou simples gerbes de fleurs d’une seule sorte. Il les représente avec le plus grand soin, une ténacité comparable à celle de Courbet, pour qui il avait une grande estime. C’est certainement son exercice favori. Or, ce n’est pas l’occasion de représenter des objets disposés au hasard, mais bien de faire vivre la nature sur la toile, comme on fait vivre un modèle dont on doit tirer le portrait. C’est l’occasion d’étudier la nature, en somme.

Ce n’est pas non plus qu’un portraitiste. Il commence par peindre ses sœurs, par commodité – ce sont des modèles peu exigeants –, puis il peint sa fiancée, Victoria Dubourg, et sa sœur, la fascinante Charlotte. Il représente sa belle-famille, ses plus proches amis, les apprenties qui passent dans son atelier… Ces œuvres sont empruntent d’une grande sensibilité accentuée par les admirables effets de lumières. Et pourtant, il a du mal à exécuter des portraits de commande. Les attentes esthétiques du modèle, les désagréments liés à la pose sont autant de contraintes qui enfreignent sa création. C’est ainsi que les commissaires ont choisi de n’exposer que des portraits qui lui tenaient à cœur (salles 1, 5 et 6).

Fantin n’est pas de ces avant-gardes qui recherchent le scandale. Certaines de ses œuvres ont eu un retentissement négatif. Il détruit sa toile intitulée « Le Toast. Hommage à la Vérité » (salle 4) en 1865, après avoir reçu d’exécrables critiques au Salon. Le fameux « Coin de Table » (1872, id.) fait grand bruit en raison de la présence de Rimbaud et Verlaine, deux personnalités aux mœurs déjà très contestées. Mais toute sa vie, il cherche la reconnaissance, couronnée par l’acquisition de l’« Atelier au Batignolles » par l’Etat en 1892 (l’œuvre date de 1870).

Il pourrait cependant être qualifié de peintre de fééries. L’exposition s’ouvre avec une petite œuvre d’imagination (« Le Songe », 1854, peinte à 18 ans), qui ne trouve son écho que dans les dernières salles. Voilà sa véritable aspiration, qui ne reçoit pas de reconnaissance au début de sa vie, mais sera en définitive à la mode. Parfois inspirées de la musique, dont il est grand amateur, ces compositions traduisent ce qu’il a ressenti en écoutant des airs de Berlioz, Schuman ou Wagner (compositeurs controversés, auxquels il rend plusieurs hommages, salle 8 et 9). D’autres sont purement imaginaires, et montrent des figures féminines, baignées de lumière, évoluer dans un environnement céleste et vaporeux. Ces œuvres sont présentées comme l’aboutissement du travail de sa vie : il s’inspire du style des Vénitiens, qu’il a copiés au Louvre, il fait preuve d’une grande maturité et d’une grande confiance, acquises par l’observation, ainsi que le travail de mémoire.

Une section intitulée « Fantin au travail » n’ignore pas une dimension essentielle de son exercice : la photographie. Tout au long de sa vie, il collectionne les reproductions d’œuvres, ainsi que les nus féminins, et s’en fait un véritable corpus de modèles. Quelques uns des quatre mille cinq cents clichés conservés au musée de Grenoble ont été exposés (salle 7). Ce sont surtout les nus qui retiennent l’attention : photographies artistiques ou clairement érotiques, il les copie et les transpose dans ses œuvres, notamment dans ses fééries. On peut dire que c’est un artiste de son temps.

À la fin de sa vie, la production de Fantin est couronnée du succès tant attendu, et tant redouté : l’État acquiert « La Nuit » en 1897, immédiatement après sa présentation au Salon. Dans ces sujets-là, on peut le considérer comme le dernier des romantiques, voire l’un des premiers symbolistes.

Mais il ne s’agit pas pour autant de résumer son œuvre par une simple trajectoire allant du réalisme au symbolisme. En effet, chez Fantin, il n’existe pas de désaccord entre les deux tendances car son principal intérêt est d’abord et avant tout la nature.

Atelier Ademec, le 21 mars 2017 : Veille et ressources électroniques

L’Ademec vous propose de vous initier et de vous perfectionner dans l’art de la veille documentaire et des ressources électroniques avec Romain Boistel (prom. 2012, documentaliste chargé des ressources électroniques à l’École des Ponts).

Avant l’atelier, nous vous conseillons la lecture de cet article d’Archimag écrit par Clémence Jost :

L’atelier aura lieu le mardi 21 mars de 18h30 à 20h et est ouvert aux adhérents de l’association, ainsi qu’aux non-adhérents pour un montant symbolique de 2 € par personne.

Pour toute question, n’hésitez pas à nous contacter via le site de l’association ou sur notre adresse mail.